Volti e luoghi di alienazione
di Maddalena Marinelli
“Matto.
Affetto da un alto grado di indipendenza intellettuale; non conforme ai modelli
di pensiero, parola e azione, che la maggioranza ricava dallo studio di se stessa. In poche parole, diverso dagli altri.”
(Ambrose Bierce,
Dizionario del diavolo, 1911)
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Giacomo Balla, “La
pazza”, 1905, Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna
Tra
il 1902 e il 1905 Giacomo Balla realizza il ciclo dei viventi dedicata a tutti
coloro che vivevano ai margini della società. Questa scelta tematica si può
ricondurre all’adesione dell'artista all’idealismo sociale dell’amico poeta
Giovanni Cena. Determinanti sono anche i contatti con Cesare
Lombroso.
La
fase pre-futurista di Balla è incentrata sulla ricerca di un realismo sociale
espresso attraverso la tecnica del Divisionismo alla quale si
avvicina a partire dal 1893 con il suo arrivo a Roma. Si interessa ai temi
popolari, al mondo dei poveri, al paesaggio urbano.
La
donna ritratta è Matilde Garbini, una malata mentale vicina di casa del
pittore. Nell’espressione del volto e nella contorta postura del corpo Balla
coglie la drammaticità di uno stato psichico alienato in un tranquillo contesto
casalingo.
I delicati colori e la luce del giallo
retrostante la figura femminile concedono uno stato di quiete.
La
donna si trova in controluce sulla soglia di una porta finestra mentre con
un gesto o un’ espressione del volto sembra voler comunicare faticosamente qualcosa
che rimarrà celato allo spettatore.
“La
pazzia è come il Paradiso. Quando arrivi al punto in cui non te ne frega più
niente di quello che gli altri possono dire... sei vicino al cielo.” (Jimi
Hendrix)
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Francisco Goya, “El
patio de una casa de locos”, 1794, Dallas, Meadows Museum
Un
piccolo ma straordinario dipinto ad olio su ferro stagnato realizzato dopo il
1792 quando il celebre artista spagnolo
venne colpito da una misteriosa malattia che lo lasciò fisicamente debilitato e
permanentemente sordo. Durante la lunga convalescenza Goya si dedicò a lavori
di piccolo formato che danno più spazio alla fantasia e all'invenzione: “Sono riuscito a fare osservazioni che di
solito non sono consentiti nelle opere commissionate ".
Un
dipinto non certo da presentare a marchesi o conti. Un’immagine allo stesso
tempo surreale e grottescamente realistica che denuncia la situazione di
desolazione e totale abbandono in cui si trovavano i malati mentali.
Francisco
Goya vide questa scena quando si trovava a Saragozza.
Un
cortile che ospita un gruppo di alienati. Il malato di mente veniva trattato
come un criminale comune ed era normale intervenire con azioni punitive nei
suoi confronti.
Una
visione inquietante di uno stato di sofferenza.
Un
dipinto dai toni rarefatti in cui i protagonisti emergono da altissime e cupe
pareti. La luce del sole rimane irraggiungibile, non entra nel cortile. L’ uomo
sulla sinistra sembra guardarci con espressione disperata e urlante. Due uomini al centro lottano
completamente nudi mentre il loro carceriere li batte. Come sempre Goya riesce
a cogliere gli aspetti umani più oscuri e sadici della vita mai solo quelli
retorici.
“La
vita è un brivido che vola via, è tutto un equilibrio sopra la follia…”
(SALLY, Vasco Rossi)
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Johann Heinrich Füssli,
“La
Follia Di Kate”, 1806-1807, Francoforte, Goethe-museum
L’
inclinazione per il lato oscuro e perturbante si snoda come filo conduttore di tutta l’ opera di Johann
Heinrich Füssli. S’incarna, in particolar modo, nelle figure femminili,
dipinte sia con fattezze di dolci fate sia come crudeli ed erotiche
"femmes fatales" o come vittime innocenti perseguitate da mostruose
creature notturne.
Il
soggetto rappresentato è un personaggio della lirica The Sofa contenuta nel poemetto The
task del poeta inglese William Cowper.
Kate
è una giovane domestica innamorata di un marinaio la cui scomparsa in mare
scatenerà in lei la follia. Impazzisce di dolore rendendosi conto che il
suo amato non farà più ritorno.
Kate
ha tutte le tipiche caratteristiche del personaggio romantico concependo
l’amore come assoluto, divorante e totalizzante fino alle estreme conseguenze.
La
follia come eccesso passionale.
Füssli
crea
il riflesso esterno di una psiche che sta andando alla deriva.
Gli
occhi spalancati ci guardano con smarrimento e terrore, la bocca è semiaperta,
la postura è innaturale. Il gesto della mano, seppure esitante, allude al mare
causa del suo dolore. E’ colto il momento
culminante della follia che esplode come la tempesta alle spalle della ragazza,
ormai irrefrenabile.
“Osservate con quanta
previdenza la natura, madre del genere umano, ebbe cura di spargere ovunque un
pizzico di follia. Infuse nell'uomo più passione che ragione perchè fosse tutto
meno triste, difficile, brutto, insipido, fastidioso”.
(Erasmo
da Rotterdam)
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Pieter Bruegel il Vecchio, “Margherita la pazza” (o Dulle Griet),1561, Anversa, Museo Mayer van den Bergh - particolare
Da
Raffaello a Guercino e ancora Simone
Martini, Parmigianino, Andrea del Sarto, tanti la dipinsero spesso come una
bellissima ragazza. "Dulle Griet" è una figura del folklore fiammingo
personificazione della strega, allegoria dell'avarizia.
Una
versione popolare e riadattata della figura di Santa Margherita d'Antiochia che
sconfisse il demonio. Sotto il regno dell'imperatore Massimiano, feroce
persecutore dei cristiani, in Antiochia di Pisidia una fanciulla di nome
Margherita fu condannata a morte e martirizzata a causa della sua fede in un
unico Dio. Nella cella durante la notte, secondo la leggenda, il diavolo sarebbe
apparso a Margherita e l’ avrebbe ingerita viva. Ma lei, grazie alla croce che aveva in mano, squarciò da
dentro il ventre del mostro e si liberò. Per questo divenne la protettrice
delle partorienti.
La
sua memoria sopravvisse nelle leggende popolari trasformandosi, a poco a poco,
da quella di una bella ragazza in fiore in quella di una strega capace di
sfidare l'Inferno.
Bruegel
la rappresentò al centro del dipinto come una vecchia invasata dal
gigantesco corpo allampanato. Armata e in corsa si dirige verso la bocca antropomorfa degli
inferi con un ricco bottino.
Un
monito per quanti insistono nel vizio al punto da perdere la ragione.
L’associazione
della follia alla colpa e allo scatenamento del demoniaco.
Attorno
a Dulle Griet si svolge un abnorme sabba collettivo.
Vi
sono scene di distruzione in una città, conseguenza di un attacco portato plausibilmente
dalla strega stessa e dal suo passaggio.
Figure
mostruose popolano tutto il dipinto. Il colore dominante è il meraviglioso rosso
delle fiamme. Ogni mostruosa creatura e ogni oggetto rimandano a
simboli magici e alchemici nascosti nell'umanità scanzonata e sgangherata del
popolo.
Una
figura chiave è il gigante che, poco sopra il centro del dipinto, regge sulla
schiena una barca con la sfera e con un mestolo di ferro rovescia monete dal
suo deretano a forma di uovo dal guscio rotto. Si tratta forse dell' opposto di
Dulle Griet, che getta indifferente alla folla le ricchezze che essa invece
raccoglie con avidità.
Un
richiamo all'inutilità dell'accumulare beni materiali.
Evidenti
sono i debiti verso Hieronymus Bosch. Margherita
la pazza è il seguito, la coda dell’opera La Nave dei folli.
Molto
probabilmente lo stesso committente
chiese un dipinto nello stile del defunto maestro.
“Tutti
siamo scienziati pazzi, e la vita è il nostro laboratorio. Tutti stiamo
sperimentando per trovare un modo di vivere, per risolvere problemi, per
convivere con pazzia e caos”. (David Cronenberg)
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